Artes

Utilísimo instrumento de reflexión y trabajo para todos aquellos que buscan incitaciones para escribir. Fruto de largos años de experiencia, este método permite observar el trabajo del taller y de la escritura desde dentro, desarrolla una metodología explícita para escribir y hacer escribir desde distintas perspectivas y ofrece herramientas variadas y productivas para la creación.

Los trucos del actor disecciona meticulosamente la preparación del actor para abordar la escena. Yoshi Oida propone al lector una serie de ejercicios diarios para que armonice con su cuerpo y ofrece valiosas lecciones y formas de enfocar cada etapa del trabajo que el actor debe emprender antes de subir al escenario. Lorna Marshall acompaña al maestro Oida con comentarios para una mejor comprensión del texto, Peter Brook abre el libro que ofrece en la parte final práctico compendio de ejercicios para poder aplicar sus enseñanzas de forma práctica.

Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un metodo detallado que forme actores verdaderamente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Su tecnica toma al artista como materia prima y construye, partiendo de cero, las habilidades que necesita para despuntar en la interpretación. Discípulo y mano derecha de Meisner, William Esper ha transmitido y ampliado su tecnica durante decadas, en las que ha sido maestro de interpretes como John Malkovich, Kim Basinger, William Hurt y Kathy Bates. En Arte y oficio del actor, con la ayuda de Damon DiMarco, uno de sus discípulos, Esper nos sumerge en el aula y nos permite asistir, como un alumno más, a uno de sus fascinantes cursos.

Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.

Que, por que, para quien, cómo escribir; cuándo y cuánto. Chejov no escribió nunca un ensayo ni un esbozo siquiera de teoría literaria, pero en su correspondencia con amigos, editores, otros escritores −como Maksim Gorki− y aspirantes a escritores, abundan las notas y reflexiones, a menudo tan concisas que parecen máximas o aforismos, sobre el quehacer narrativo, su sentido y su alcance. Piero Brunello, profesor de la Universidad de Venecia, ha entresacado de esta correspondencia una selección de pasajes en los que se tratan no sólo aspectos generales del arte de narrar sino tambien cuestiones concretas como la construcción de personajes o la descripción de paisajes y sentimientos. Sin trama y sin final reúne, pues, las claves de la poetica de Chejov, reflejadas en su propia obra y experiencia o en la de los demás (Tolstói, Turgueniev), y constituye un prontuario obligado tanto para los amantes de su literatura como para todos aquellos que han pensado alguna vez en escribir.

Anatomía del guión aborda conceptos y arquetipos extraídos de la filosofía y la mitología para transformarlos en una técnica actualizada para la redacción de guiones con profundidad y eficacia narrativa. Truby basa su desarrollo en el crecimiento emocional y moral de sus protagonistas, y ofrece a lectores –profesionales y aficionados– multitud de herramientas y técnicas específicas para lograr que sus personajes cobren sentido y el público conecte con ellos, además de recursos para construir tramas sorprendentes, siempre con el sello personal del autor.

Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción-

Un libro clásico del diseño que aplica la psicología de la Gestalt sobre la percepción visual en el ámbito del diseño gráfico. Lectura obligada para cualquier profesional del lenguaje visual En la segunda mitad del siglo XX aparecieron una serie de trabajos que trataban de establecer los principios de una teoría de la composición gráfica a partir de los estudios científicos sobre la percepción visual, y es en ese contexto donde se enmarca esta obra clásica de Donis A. Dondis, una de las propuestas sobre gramática visual pioneras y fundamentales de esta corriente. La sintaxis de la imagen es una aproximación al tema amena y rigurosa que explora aquellos principios y reglas del lenguaje de las imágenes que inciden directamente en la semántica, la retórica y la comunicación visuales. La propuesta teórica de Dondis se acompaña de múltiples ejemplos y referencias que abarcan desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la publicidad, el cine o la televisión. Más allá del gran interés que ha suscitado entre diseñadores y artistas, este libro —que ha sido totalmente revisado, actualizado y rediseñado para esta nueva edición—constituye un manual básico y fundamental que contribuye a nuestra alfabetización visual. Comprender la cultura actual implica conocer la gramática de las imágenes y la obra de Dondis proporciona las bases necesarias para desarrollar un pensamiento crítico hacia una realidad cada vez más indisociable de lo visual.

Conocemos muchos más sentimientos que colores. Por eso cada color puede producir muchos efectos distintos, a menudo contradictorios. Un mismo rojo puede resultar erótico o brutal, inoportuno o noble. Un mismo verde puede parecer saludable, venenoso o tranquilizante. Un amarillo, radiante o hiriente... Ningún color carece de significado. Su efecto está determinado por su contexto y las personas que trabajan con los colores deberían conocer a fondo esos contextos y esos efectos. Este libro explora la relación que los colores tienen con nuestros sentimientos y demuestra que no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Organizado en trece capítulos que corresponden a otros tantos colores distintos, el volumen poporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores: desde dichos y saberes populares, hasta su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, o los nombres y apellidos relacionados con colores. La diversidad de este enfoque convierte la obra de Eva Heller en una herramienta fundamental para artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas y todas aquellas personas que trabajan con los colores como herramienta fundamental. Un libro que se ha convertido ya en un clásico.

Aprende a promocionar tu trabajo es un libro para todas aquellas personas que rehúyen el concepto de autopromoción. Diez sencillas máximas ponen fin al mito del genio solitario y nos enseñan a darnos a conocer con osadía y generosidad. Austin Kleon nos muestra cómo la obra creativa no es un producto sino un proceso en permanente desarrollo que, al compartirse, nos permite construir un público propio y aprender a comunicarnos con él. “No tienes que ser un genio”, “Abre tu gabinete de curiosidades”, “Enseña lo que sabes pero no te conviertas en spam humano”, “Aprende a recibir los golpes”… Con principios tan contundentes como estos, Kleon no sólo nos enseña estrategias para que nos atrevamos a mostrar nuestro trabajo, sino que nos abre un nuevo e increíble escenario —el de la comunicación— para que reflexionemos desde otra perspectiva sobre nuestra propia obra.

La trilogía Osiris Rodríguez Castillos de obras para guitarra, ha tenido por objetivo la integralidad conceptual. La consideramos necesaria: para el ejercicio musical, sea a nivel del intérprete o, incluso, como goce estético de los interesados, sean estos músicos o no.

Las cartas que Vincent van Gogh le escribió a su hermano Theo desde 1872 en adelante constituyen una fuente biográfica única e invalorable para conocer los objetivos, pasiones, esperanzas y desilusiones del pintor. Son un testimonio vivido, casi al modo de un diario, en el que el gran artista da cuenta de su cotidianeidad así como de su inestable salud física y mental. Después de haber inspirado biografías, películas, obras de teatro, documentales, estudios académicos y miniseries televisivas, estas cartas extraordinarias y conmovedoras se han transformado, a través de los años, en un grito desgarrado frente a la vida, en una utopía sobre la comunidad de artistas, en un gran documento humano en el que también se percibe la evolución pictórica del artista, enmarcada en la progresión dramática que va tomando la correspondencia.

En el escenario y en la pantalla reconocemos una gran actuación cuando la vemos. Pero, ¿cómo consiguen los actores convertirse en arte?, y ¿cómo logran conferir a la fantasía la apariencia de lo real? Hace más de un siglo, uno de los directores de teatro con más talento de todos los tiempos, Constantin Stanislavski, se planteó estas preguntas y propuso múltiples respuestas que, desde 1930 y durante más de medio siglo, fueron interpretadas y adoptadas en Estados Unidos, una nación que todavía no había encontrado su voz como potencia artística. Los creadores del Método formarían a generaciones de actores. El Método ayudaría a algunos; pero destruiría a otros. James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Paul Newman, Kim Stanley, Dustin Hoffman, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Al Pacino..., son algunos de los artistas formados en el Método, o contra el Método, que consiguieron que Hollywood se convirtiera en la fábrica de sueños global que es hoy en día. Saltando a la perfección entre los puntos de vista de los personajes, mientras relata sus vidas y sus épocas, el crítico y director de teatro Isaac Butler explica la biografía del Método como nunca antes se había hecho, en una narración que transporta a los lectores de Moscú a Nueva York y Los Ángeles, de "La gaviota" de Chéjov a "Un tranvía llamado Deseo" de Tennessee Williams, de "La ley del silencio" de Marlon Brando, a "Toro salvaje" y "El Padrino".

Conservada gracias a una serie de azarosas circunstancias, la correspondencia de Vincent van Gogh (1853-1890) con su hermano menor Theodorus constituye un testimonio sin par de la existencia del genial pintor, pero también de su evolución pictórica y espiritual. En ella están las crisis personales y de conciencia, los incesantes apuros económicos, las esperanzas y las decepciones, pero sobre todo la pasión febril de Van Gogh por la pintura. Sus cuadros y dibujos, valorados poco o nada en vida, han acabado convirtiéndose, paradójicamente, en piezas preciadas de las colecciones artísticas, además de alcanzar cifras millonarias en las subastas e instalarse entre las que gozan de mayor favor del público. La presente selección, que reúne lo más sustancial de las Cartas a Theo, va precedida de una útil e iluminadora introducción de David García López que, al tiempo que traza una viva semblanza de la vida del pintor, da cumplida cuenta del contexto de esta correspondencia que permite al lector asomarse a una experiencia vital tan fascinante como sobrecogedora. También en esta colección: "Vincent van Gogh: Vida y obra", de Uwe M. Schneede.

Un relato audiográfico escrito e interpretado por Mauro Marchese.

«Llamar canciones a lo que hace Joaquín Sabina es no decirlo todo: sus letras tienen algo más, una fuerza literaria poco común, un poder de sugestión que las ha transformado en himnos, en la banda sonora de la vida de un público que encuentra en ellas el talento y la ambición del poeta, el ingenio del buscador de rimas y la profundidad del escritor serio, tenaz, que sabe que cada verso debe tener enterrado su propio tesoro y cuánto hay que cavar para encontrarlo. No son muchos los compositores cuyos textos aguantan una lectura al margen de la música, y esos pocos son los más grandes: Dylan, Cohen, José Alfredo Jiménez o Brassens. Es decir, los que fueron sus maestros y él ha convertido en sus iguales. Esta antología lo demuestra: es pura música para los ojos».

Tute, uno de los mejores humoristas gráficos del país, cuenta que se crió en "un hogar psicoanalizado". Así que un día, cuando empezó terapia, fue a aprender psicoanálisis como quien va "a un instituto a aprender una lengua". "De a poco fuimos descubriéndonos: el psicoanálisis a mí y yo a él. Todo el mundo o es paciente o es analista, o debería serlo". Entonces, desde su primer libro centrado en la terapia, a las viñetas sobre el trabajo en el consultorio comenzó a intercalarles cuadros en los que se manifestaban sus preocupaciones de índole existencial: un auténtico mosaico de la vida, "de lo que es el laburo de análisis, las preocupaciones, las reflexiones, los cambios y la imposibilidad del cambio, la comunicación…". De este camino surgió una trilogía de libros única: Humor al diván, Tuterapia y Superyó. Entran en escena Mabel y Rubén, dos de los personajes más queridos de Tute; estos dos que son un espejo nuestro, que somos todos. Y en ellos y sus historias cabe de todo: viñetas sobre el consultorio, claro, pero también "sobre la relación existencial que uno tiene con la vida, con lo vincular; la soledad, la muerte, la felicidad o el paso del tiempo. Y sobre la pareja, porque el amor es el gran motor de la vida". Por eso, una vez más, Tute los sienta al diván para que sean ellos quienes digan todo lo que los demás pensamos pero no decimos. Metiéndonos de cabeza con gracia, con sensibilidad y lucidez en los insondables fondos de nuestros marotes.

Hacia los años noventa, los discursos gerenciales y políticos confluyeron para definir la rentabilidad del arte, la creatividad y sus tropos en áreas tan diferentes como la manufacturación, el planeamiento urbano, el consumo cultural, las tecnologías de la información, el currículo universitario, etcétera. A través de este “capitalismo cultural” la economía convocó toda clase de mitos sobre el arte y la creatividad, ya fueran de vanguardia, románticos o modernos. La innovación de las formas artísticas comenzó a predicarse por normativa: el arte se volvió productivo, probable, un servicio, un deber. En el arte se perciben los límites sociales de la libertad. Los problemas estéticos no pueden ser resueltos en la esfera social, y viceversa. Lo social comienza y termina en el arte, pero no al revés: el arte muere cuando se convierte en modelo. Para poder pensar cómo el arte se pliega a la norma, la escritura tiene que buscar tropos de muerte, desaparición y subjetivación negativa, y no meramente una reparación ética o política que probablemente desplazará todavía más el arte y la experiencia estética. La ciencia ficción, la psicodelia, el gótico y lo oculto hacen su aparición bajo distintos disfraces a lo largo de este libro. En la resistencia al humanismo y al concepto de autonomía artística, son prácticas paraculturales que el buen gusto y la razón instituida han rechazado. Son parodias del origen, farsas de los mecanismos que legitiman el arte. No forman parte del conocimiento y la cultura, ni tampoco son pasibles de ser amadas. Están atareadas (alteradas, excitadas...) pero no despiertas, y permiten la coexistencia de la corrupción y el devenir. Arte y norma reúne los ensayos más recientes del historiador del arte y curador danés Lars Bang Larsen, una trama fascinante de investigaciones para entender el arte contemporáneo y pensar cómo sus historias, contextos y pretextos se intervienen y se cruzan unos a otros.

Un aparato es una configuración técnica del aparecer. De tal suerte, lo que aparece está, desde ya, configurado técnicamente por un aparato (appareillé). La perspectiva, el museo, la fotografía, el cine y la cura analítica podrán ser pensados como “aparatos”, pues configuran el aparecer del acontecimiento, por un lado creando nuevas condiciones de la temporalidad y por otro determinando nuevas estructuras del espacio, es decir, transformando, cada vez, la sensibilidad. Un aparato funciona como un objeto técnico según Gilbert Simondon, o sea, produciendo individuación y sociablidad. Walter Benjamin fue el primero en atisbar una teoría de los “aparatos”, al considerar que la fotografía y el cine no implicaban únicamente un cambio en los procedimientos de la representación sino que, además y por sobre todo, una revolución en las condiciones de la percepción. Jean-François Lyotard, por su parte, en su Discurso. Figura elabora la noción de “bloque de escritura”: la “superficie de inscripción”, es decir, el conjunto de configuraciones técnicas que permiten que el acontecimiento tenga lugar. Es a partir de estos y otros autores que Jean-Louis Déotte ha desarrollado una teoría que pretende repensar la política, la estética y el mundo contemporáneo desde el punto de vista de la técnica.

Creatividad, S.A. es un libro para profesionales que deseen llevar a sus equipos a cumbres más altas, un manual para cualquier lector que valore la originalidad y el primer viaje al centro neurálgico de Pixar Animation: a sus reuniones, sus evaluaciones de cierre de proyecto y las sesiones del Braintrust de las que nacieron algunas de las películas más exitosas de la historia del cine. Es, en el fondo, un libro acerca de cómo se construye una cultura creativa, pero también, como afirma su autor, «un reflejo de las ideas que creo que hacen aflorar lo mejor que llevamos dentro.» Cuando Ed Catmull era joven tenía un sueño: hacer la primera película de animación por ordenador. Persiguió este sueño como estudiante en la Universidad de Utah, y se asoció con George Lucas, en una colaboración que, indirectamente, le llevó a fundar Pixar con Steve Jobs y John Lasseter en 1986. El ingrediente esencial en el éxito de Pixar está en su entorno único, que Catmull y sus compañeros consiguieron forjar, basado en principios que protegen el proceso creativo y que desafían las ideas establecidas, como por ejemplo: La responsabilidad de un directivo no es prevenir riesgos; su trabajo es dar la seguridad para que los demás los asuman. El coste de prevenir errores con frecuencia es superior al de subsanarlos. La estructura de comunicación de una empresa no debe ser el reflejo de su estructura organizativa; todo el equipo debe ser capaz de interrelacionarse, independientemente de su cargo y sus funciones. No dé por sentado que el consenso general generará cambio; se requiere de mucha energía para mover un grupo, aunque todos sus miembros estén comprometidos con el proyecto.