Artes

La preparación del director es una disección fascinante y estimulante del reto que supone la dirección teatral. Anne Bogart conoce muy bien el coraje que requiere crear Arte en mayúsculas y en este libro profundiza en siete elementos clave que, a lo largo de su carrera, identificó en un primer momento como impedimentos pero, tras una mirada más atenta, descubrió que eran herramientas potenciales de la creación. Analiza, pues, el valor de la violencia, la memoria, el terror, el erotismo, los estereotipos, la vergüenza y la resistencia a la hora de emprender la tarea artística. Obstáculos que pueden ser utilizados para generar una energía extraordinaria si se saben vehicular para el proceso creativo. El texto ofrece una visión única de los vericuetos del proceso de la dirección teatral aunque estos son también aplicables a otros ámbitos artísticos. Ningún otro título sobre el arte del teatro se aproxima con igual claridad al hecho creativo ofreciendo tanta comprensión, experiencia e inspiración. Este libro es una biblia, un libro de cabecera para cualquier actor o director teatral, y un manifiesto artístico, todo en uno.

La elaboración de un buen relato o novela exige que el autor domine los recursos técnicos que permiten dar tensión, consistencia y calidad literaria la narración. Esta guía, a través de numerosos ejemplos comentados, desvela las claves para: Seleccionar los elementos más adecuados para construir una escena. Caracterizar a los personajes. Manejar el tiempo en el relato. Adaptar el ritmo narrativo a las necesidades de la ficción. Estimular la curiosidad del lector.

Este libro reúne consejos y advertencias para los actores y actrices que piensan orientar su carrera hacia el teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas "audiciones". Esta práctica recurrente e ineludible es siempre un momento de enorme tensión que pone a prueba la preparación y el temple de los aspirantes. Cómo prepararse para una audición de teatro musical propone recomendaciones sobre la elección de las canciones, los textos, la forma de presentarse, etcetera, que son válidos para cualquier actor o actriz. Hace además un repaso a la historia del musical en sus distintas epocas y de los autores más importantes y sus características particulares para que los aspirantes puedan presentarse a las pruebas con el mayor bagaje posible de cultura y documentación.

Aún luchando por conseguir el merecido reconocimiento artístico y no quedar oculta bajo la labor del director teatral, la escenografía es una de las disciplinas teatrales más decisivas y, por supuesto, «mucho más que una pintura de fondo con la que enmarcar a los intérpretes». Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigación y documentación, el color y la composición, el vestuario, la colaboración con el director, el intérprete y el espectador. Experta en la creación de espacios escénicos en arquitecturas no teatrales (una antigua fortaleza y cárcel en Tesalónica, un cine abandonado en Belgrado, un salón de actos de un viejo colegio en el distrito industrial de Pittsburgh), abo-ga tanto por el recurso a las últimas tecnologías como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Qué es la escenografía? no solo documenta -con ilustraciones- la variadísima experiencia de la autora (de La pasión griega de Martinú a La rosa tatuada de Williams), sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Léon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon… Como dijo David Bradby, es «una obra esencial, más si cabe para cualquiera que quiera saber cómo está evolucionando el teatro».

En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades técnicas para su reproducción, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolución política. Una innovación que, a la vez, hará que la obra pierda su carácter único, el «aura», y abrirá, así, una nueva dimensión para el objeto artístico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexión estética y la filosofía de la imagen. «La reproducción —por más perfecta que resulte— dejará siempre fuera algo: el aquí y el ahora de una obra de arte».

«Toda acción transformadora del mundo se basa en una narración. El storytelling, por el contrario, no conoce más que una sola forma de vida, que es la consumista». Las narraciones crean lazos. De ellas nace lo que nos conecta y vincula. De este modo, fundan comunidades y nos salvan de la contingencia. Sin embargo, hoy, cuando todo se ha vuelto arbitrario y azaroso, el storytelling se ha convertido en un arma comercial que transforma la narración en una herramienta más del capitalismo, propagándose en medio de la desorientación y la falta de sentido característicos de la sociedad de la información. Narración e información son fuerzas opuestas. El espíritu de la narración se pierde entre las informaciones que convierten a los individuos en consumidores, solitarios y aislados, consagrados a instantes, con el objetivo de incrementar su rendimiento y su productividad. Solo la narración es la que nos eleva y nos une a través de una historia común de experiencias transmisibles que hacen significativo el transcurso del tiempo, aportando un poder transformador a la sociedad; es la única que puede congregarnos alrededor del fuego para darnos sentido. Esta crisis narrativa tiene vastos antecedentes, que Byung-Chul Han investiga en este ensayo, y que son una continuidad de sus reflexiones sobre la sociedad de la información.

Un ensayo fascinante y revelador que explica cómo se hacen los grandes exitos que suenan en las radios de todo el mundo: La fábrica de canciones cambiará el modo en que escuchas música En las dos últimas decadas ha nacido un nuevo tipo de canción. Los hits actuales están repletos de hooks, anzuelos musicales diseñados para engancharse a tu oreja cada siete segundos. Sus compositores han dedicado centenares de horas en inventarlos, en lograr que la melodía, el ritmo y la repetición se incrusten en el cerebro humano. Y los han pensado para que la experiencia de escucharlos funcione tanto en la radio o la tele como en centros comerciales o el gimnasio. En un viaje que lo lleva de Nueva York a Los Çngeles y de Estocolmo a Corea, John Seabrook nos cuenta la historia de una industria que de repente, tras un cataclismo, se vio forzada a transformarse; sus productos debían ser, más que nunca, innovadores, competitivos, ambiciosos y sexys. Explorando el terreno que comparten la ciencia y la creatividad, La fábrica de canciones es un libro que cambiará la manera en que escuchas música.

Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.

Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un método detallado que forme actores verdaderamente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Su técnica toma al artista como materia prima y construye, partiendo de cero, las habilidades que necesita para despuntar en la interpretación. Discípulo y mano derecha de Meisner, William Esper ha transmitido y ampliado su técnica durante décadas, en las que ha sido maestro de intérpretes como John Malkovich, Kim Basinger, William Hurt y Kathy Bates. En Arte y oficio del actor, con la ayuda de Damon DiMarco, uno de sus discípulos, Esper nos sumerge en el aula y nos permite asistir, como un alumno más, a uno de sus fascinantes cursos.

Partiendo de conceptos básicos, McKee muestra el misterio de las estructuras, explica las características de cada género, define la importancia de la ambientación, la diferencia entre la caracterización y la realidad de un personaje, en suma, todo aquello que hace que un guión destaque por encima de los demás. Ilustrado con muestras de guiones clásicos, analiza cómo está construida cada escena para que funcione y por qué funciona. En los seminarios que Robert McKee imparte por todo el mundo se han gestado algunos de los guiones de las películas más premiadas de Hollywood. Quincy Jones, Diane Keaton, Julia Roberts, John Cleese y David Bowie son algunos de sus célebres alumnos, mientras que series como Friends, Ally McBeal y Cheers por citar algunas, han surgido de sus clases de redacción de guiones. Algunas películas que deben su existencia a McKee son El color púrpura, El hombre elefante, Forrest Gump o Gandhi, entre otras.

Este "Manual de estilo" permite solucionar las dudas ortográficas, morfológicas y sintácticas que con más frecuencia se plantean al escribir. En las dos primeras partes se han sintetizado los problemas comunes a los signos de puntuación, las letras mayúsculas, las diferentes consonantes y las partes de la oración. Los apéndices que figuran a continuación incluyen los vocablos que hoy se suelen emplear erróneamente, términos latinos, extranjerismos -con los significados que se han impuesto en nuestra lengua-, siglas, abreviaturas y gentilicios, mientras que en las recomendaciones finales se previene contra expresiones tópicas o forzadas de las que muchas veces se abusa. Cierra el volumen un índice exhaustivo que facilita la localización inmediata en el texto de la respuesta a las dudas más habituales. Del mismo autor en esta colección: "El libro de los verbos".

Éste no es un libro de arquitectura. Es cierto que en sus páginas el lector encontrara profusión de enseñanzas sobre el arte de crear edificios, porque el texto nació como un ensayo sobre conceptos arquitectónicos. Pero en la obra maestra de Ruskin hay mucho más. Para el gran esteta inglés, en la arquitectura estaba el principio de las artes, que el resto de bellas artes, como la pintura o la escultura, debían seguir en modo y método. Por eso, al sentar las bases de una nueva forma de entender la arquitectura. Ruskin abrió el camino a una nueva manera de hacer arte.

Con Un idioma sin manchas, Ramón Alemán nos invita a recorrer cien caminos en busca de un español correcto, pero siempre con la certeza de que, en lo que a la lengua se refiere, la corrección es a veces un lugar impreciso o difícil de hallar. La ortografía, la gramática y el léxico de nuestro idioma, que es propiedad de quinientos millones de personas, son los asuntos que se tratan en esta obra, en la que la duda, la tolerancia, el sentido común y el humor son las herramientas que nos permitirán descubrir misterios, caprichos y hasta incongruencias de la lengua española. Para ello, el autor expone sus puntos de vista en un lenguaje sencillo y cercano, pero sin alejarse ni un milímetro del rigor que la materia exige, siempre con la ayuda de los que él denomina guardianes de la lengua, como Manuel Seco, José Martínez de Sousa y la Real Academia Española. El conjunto hará las delicias de todos aquellos que aspiren a conocer mejor nuestro maravilloso idioma.

Julia Cameron ha inspirado a millones de lectores con El camino del artista, su exitoso libro sobre la creatividad. Nunca es demasiado tarde para ser un artista vuelve a hacerlo. En este libro Cameron enseña a sus lectores a cultivar su yo creativo para navegar estas nuevas aguas. Cuenta historias inspiradoras de personas que descubrieron nuevos intereses artísticos y pasiones que hicieron algo más que llenar sus vidas: alimentaron sus almas. Estructurado como un curso de doce semanas destinado a definir y crear la vida que quieres tener a partir de ahora, Nunca es demasiado tarde para ser un artista incluye herramientas sencillas para que aproveches al máximo esta nueva etapa: La autobiografía ofrece la oportunidad de rememorar y celebrar tus experiencias pasadas. Este libro te guiará, mediante pasos sencillos y factibles, en la aparente-mente difícil tarea de escribir tu vida. Las páginas matutinas son un ejercicio escrito y privado de libre fluir de con-ciencia para hacer diariamente. En ellas podrás expresar deseos, placeres, rencores y alegrías, que a su vez te permitirán enfrentar el día con más claridad y concentración. Las citas con el artista promueven la diversión y la espontaneidad. Los paseos en soledad mitigan la ansiedad y despejan la mente. Este proceso divertido, relajado y gradual te ayudará a explorar tus sueños creativos, tus deseos e ilusiones, y pronto comprobarás que nunca es demasiado tarde para volver a empezar.

Konstantín Serguéievich Stanislavsky fue el maestro de maestros que más influyó en la formación del actor y en el ejercicio de la interpretación dramática. Agudo observador de comportamientos, de lenguajes corporales, de circunstancias y sentimientos por los que el actor debe transitar para componer un personaje, dejó las reflexiones recogidas en su larga experiencia, plasmadas en este libro, un verdadero manual de arte dramático. El teatro contemporáneo ne existiría tal como es sin el aporte de este indiscutible maestro ruso.

La poética del espacio es un libro sobre filosofía de la poesía; pero también es, en sí mismo, una obra poética. Bachelard pretende observar el surgimiento de las imágenes en la psique, estudiar la imaginación como un proceso del alma que no puede ser analizado desde el pensamiento estrictamente racional.

Un libro sobre La Tierra Media y los poderes que la gobierna. Las obras de Tolkien incluyen algunos de los relatos más grandes del bien contra el mal jamás contadas. A través de un examen de los poderes oscuros que contribuyeron a dar forma al mundo de Arda, y de los complejos personajes atormentados por una lucha interior entre la Luz y la Oscuridad, este libro explora la tiranía y la destrucción en el mundo de Tolkien, y la naturaleza del propio mal. La Tierra Media de Tolkien y los poderes que la gobierna causa absoluta fascinación entre sus lectores. David Day es un reputado experto en la literatura de uno de los autores de fantasía más importantes de todos los tiempos.

Andrés Torrón, periodista y músico, nos ofrece un estudio sobre Mediocampo que recurre a su conocimiento musical, a sus vívidos recuerdos y a largas conversaciones con Jaime Roos. De esta manera, va dando forma a una visión original del disco que no por rigurosa deja de estar permeada por el afecto y la nostalgia. La mirada que propone presenta a Mediocampo como culminación luminosa y optimista de una trilogía comenzada por dos álbumes de densa atmósfera y compleja elaboración conceptual: Aquello y Siempre son las cuatro. A partir de esa hipótesis, munido de las herramientas que solo posee el crítico que es también músico, se propone (exitosamente) comprender, en su contexto histórico y rigurosamente, las canciones de un disco que marcó su vida. Si los lectores escuchan de nuevo ese álbum mientras leen este libro, encontrarán matices y detalles que no solo enriquecerán su experiencia como oyente, sino que le harán ver el disco bajo una nueva, potente luz.

Mintxo parte de su experiencia personal en relación a este disco de Mateo y, desde ese lugar de enunciación, se lanza a reconstruir el proceso de producción de una obra fundamental, elegida en 2020 como el mejor disco de la historia de la música uruguaya. Para ello conversa con artistas y estudiosos que iluminan su búsqueda: Diane Denoir, Diego Azar, Guilherme de Alencar Pinto, Estela Magnone, Álvaro Salas, Alberto Mandrake Wolf y muchos otros. A esta lista se suman unas iluminadoras conversaciones con Carlos Píriz, el ingeniero de sonido que grabó el álbum. A partir de todo ese riquísimo material, el autor va tejiendo una serie de interpretaciones de cada canción, relacionándolas, con frecuencia, a períodos y momentos de su propia vida. Ofrece, además, una profunda reflexión sobre el papel de Píriz en la creación del disco. A pesar de que muchos puedan pensar que a medio siglo de su lanzamiento era difícil decir algo nuevo o interesante sobre este disco, Mateo solo bien se lame adquiere nueva vida gracias a las palabras de los entrevistados y a las reflexiones de su autor.