Teatro

Aristófanes (444 - 385 a. C.) es, sin ningún género de duda, el gigante de la comedia griega antigua. Contemporáneo de figuras tan importantes como Sócrates, Sófocles y Eurípides, el comediógrafo ateniense vivió en una época dorada de la cultura griega, marcada también por la guerra entre Esparta y Atenas, que se desarrolló a lo largo de casi treinta años. Habituado a incluir en sus comedias personajes contemporáneos a él y a tratar temas de actualidad para la Atenas de entonces, Aristófanes hace de Los caballeros (424 a. C.) un claro manifiesto antibelicista en contra de continuar la guerra en la que estaban inmersos los atenienses en ese momento y que buena parte de la población consideraba innecesaria. El ataque contra los que apoyan la guerra se personifica en el Paflagonio, un trasunto del político y militar Cleón, a quien Aristófanes odiaba por considerarlo un arribista ávido de poder y riqueza. A pesar de la seriedad del tema, Los caballeros es, como todas las comedias de Aristófanes, una pieza divertida en la que se hace una crítica mordaz y virulenta dirigida contra los políticos que apoyan las guerras e ignoran los deseos del pueblo.

Don Juan Tenorio (1844), es posiblemente la versión más popular del mito de don Juan donde destacan los personajes bien definidos tanto de don Juan como doña Inés. Constituyen uno de los hitos del teatro español. Esta historia narra la vida de don Juan Tenorio, un hombre que presume de ser un conquistador, de tener a todas las mujeres que desea en sus brazos. Por eso, lleva a cabo una apuesta con don Luis Mejía: quieren ver quién es capaz de conquistar a más mujeres en un año.

Rabindranath Thakub Tagore nos legó en todas sus obras las influencias por él recibidas durante su vida y profundamente arraigadas en las viejas tradiciones y costumbres orientales. La obra aquí seleccionada es una obra maestra por su delicada y penetrante poesía: El cartero del rey.

Sófocles (496-406 a.C.) nació cerca de Atenas, en la época turbulenta de formación del imperio ático. Los datos que tenemos de su vida nos dibujan un personaje humano y comprometido con los problemas de sus conciudadanos. Siete tragedias tan sólo nos han llegado de su producción dramática. Según la tradición, Sófocles aprendió su arte de manos de Esquilo, pero alteró la arquitectura del género descargando al coro de su estatismo. Su perfección literaria y hábil empleo de la ironía han dado a sus obras un gran puesto en el teatro clásico.

Pedro y el capitán es un tenso y largo diálogo entre una víctima y un verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios. Según lo definió el propio Benedetti, “es una indagación dramática en la psicología de un torturador. La distancia entre ellos es, sobre todo, ideológica y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad“.

Una constante de Ibero Gutiérrez (1949-1972) es que en cada género que cultivó (diarios, dramaturgia, poesía) trasvasó las formas con rigor creativo. Desde el humor crítico y el juego fónico se arriba aquí a piezas de inclasificable experimentación. Otras, como los sketches y los micro-diálogos, gestan elocuentes divertimentos dramáticos en pocas líneas. Más una pieza magistral, Proyecto para una grabación magnetofónica: La liquidación de un hombre llamado luz, en la que una (a)puesta performática llega con asombrosa vigencia a los receptores del siglo XXI. Luis Bravo Hay momentos en los que el escenario está colmado de globos, o llueven papelitos y los personajes son representados por cartones con sus viñetas tipo cómics. Con 16 años todo es posible, hasta reírse de eso que aplasta. Tomar conciencia del absurdo comportamiento humano y burlarse de ello, otorga la perspectiva necesaria para el cambio o la resistencia. En las obras de Ibero Gutiérrez se respiran ideas, suena la música, se escucha la radio y se va al cine, también la publicidad es omnipresente… ¿Qué es todo ese mundo aludido en esta ficción dramática sino algo que suena parecido a un chicle que explota…¡plop! o ¿Pop?

King Lear was written between 1605 and 1606 by William Shakespeare (1564-1616). The tragedy tells the tale of Lear, the King of Britain as he decides to retire and divide his kingdom between his three daughters, Goneril, Regan and Cordelia, depending on the amount of love and devotion they profess to him. This decision throws the kingdom into disarray, envelops the court in political intrigue and drives Lear mad out of despair. Like many of Shakespeare's works, King Lear draws inspiration from historical figures of England and Europe's past, adapted to more contemporary situations. The play remains to this day a very important part of Shakespeare's repertoire in popular culture

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

El tema principal tratado en este gran drama es la vida y la muerte. Pero de un modo arcano y ancestral, en la que figuran mitos, leyenda y paisajes que introducen al lector en un mundo de sombrías pasiones que derivan en los celos, la persecución y en el trágico final: la muerte.

Es una obra sobre el sufrimiento, del que no libera ni el premio de los buenos ni el castigo de los malos. El dolor introduce una suerte de irracionalidad en la existencia humana que arrastra consigo toda forma de racionalidad incluida la moral. El carácter irracional y destructor del amor que aparece en Rey Lear constituye un argumento recurrente en el teatro de la Grecia clásica.

Contenido: - Oscar Brando - El humillado - La juerga de los polichinelas - Saverio el cruel - Un hombre sensible - La isla desierta

Qué simple si El jardín de los cerezos fuese tan solo la dramatización de las fuerzas sociales en pugna: una aristocracia que desaparece corrompida por la inercia y el tedio, y el pujante Lopajin, hijo de campesinos, convertido en próspero burgués. Qué cosa más fácil sería ver, en la transacción social, sacrificada la belleza pasiva del jardín bajo las garras del inversor. Como los pases de magia de Charlotta o la palabrería envolvente de Trofimov, la obra de Antón Chéjov burla el conflicto, suspende su sentido, lo sofoca suavemente en la contemplación. Pero lo retoma en la crisis interior de sus personajes, que deben superar el vacío de sus vidas y la incomunicación con la historia que se cierra y que nace ante sus ojos.

Constituyen quizás, junto con Otelo, la tríada más famosa de la extraordinaria producción del inglés William Shakespeare. Hamlet es la historia de una venganza y Romeo y Julieta refleja el trájico fin de la pareja de enamorados más famosa de todas las épocas.

El nombre que da Federico a esta obra contiene la clave de lo que se va a leer. Yerma es la tierra que está despoblada o sin habitar, yerma es la tierra cuya esterilidad no está comprobada. El tema dominante en Yerma es la maternidad frustrada. Pero también y asociado a esto, la falta de libertad de la mujer para con su vida, la represión frente al instinto, el deseo frente a la realidad. Yerma desea, añora, sufre y hasta mata por un hijo que nunca llegará.

La obra se desarrolla en un ambiente rural de lo que podríamos denominar la España profunda, aunque la acción ocurre totalmente en ambientes interiores. Su protagonista principal es Bernarda Alba, todo lo que acontece en este Drama de mujeres en los pueblos de España, subtítulo que Federico le puso a la pieza, transcurre en el espacio cerrado de la casa de Bernarda Alba. Allí vive la señora con sus cinco hijas solteras. Las cuatro hermanas menores son fruto del segundo marido de Bernarda que acaba de morir.

Viktor Frankl fue víctima, como tantos otros, de la barbarie nazi, de un trato cruel y del intento de ser reducido a un número. Como muchos, resistió, y Terezín, Auschwitz, Türkheim, Kauferin y Dachau fueron las estaciones de un viaje intenso hacia sí mismo, hacia el descubrimiento de su propia resistencia espiritual. Frankl escribió esta obra de teatro poco tiempo después de haber dejado atrás su experiencia como prisionero en los campos de exterminio. Su título Birkenwald encierra un debate metafísico sobre el sentido del sufrimiento, que toma como punto de partida una escena en una barraca del campo de concentración Birkenwald, nombre de ficción resultado de la combinación de los nombres Buchenwald y Birkenau. En alemán, Birkenwald significa bosque de abedules, árboles cuya capacidad de generar vida en lo devastado les permite arraigarse y colonizar con nueva vida el terreno. La obra pone en escena, de modo creativo y original, diálogos humanos que manifiestan vivencias universales con las que no podemos dejar de sentirnos identificados.

Pedro y el capitán es un tenso y largo diálogo entre una víctima y un verdugo que se desarrolla en una sala de interrogatorios. Según lo definió el propio Benedetti, “es una indagación dramática en la psicología de un torturador. La distancia entre ellos es, sobre todo, ideológica y es quizá ahí donde reside la clave de otras diferencias, que abarcan la moral, el ánimo, la sensibilidad ante el dolor humano, el complejo trayecto que media entre el coraje y la cobardía, la poca o mucha capacidad de sacrificio, la brecha entre traición y libertad“.